miércoles, 14 de enero de 2009
CARLOS RAÚL VILLANUEVA (1900-1975) VENEZUELA
Arquitecto venezolano considerado como el maestro de la arquitectura moderna venezolana. Debido al cargo de su padre, ingeniero civil que se dedicó a ocupar cargos diplomáticos en Europa, nació en Londres y realizó sus estudios de educación media en Francia, graduándose como Arquitecto de la Ecole des Beaux-Arts, bajo la dirección de Gabriel Héraud en 1928. Al comienzo de su carrera, sus diseños estuvieron cargados de un carácter ecléctico producto de su educación académica y de las condiciones culturales que imperaban en el país. Sus obras de este período fueron el hotel Jardín (1929) y la Plaza de Toros (1933) en Maracay, y el Museo de Bellas Artes en Caracas (1935). Más tarde comenzó una etapa de diseños con estilo neocolonial que se pone en evidencia en 1937, cuando junto a Luis Malausena, realiza los planos del pabellón venezolano que participó en la Exposición Universal de París. Pertenece también a este estilo la Embajada de Perú en el Country Club de Caracas. Fue en 1939, cuando comienzó a desarrollar el estilo que le dio nombre a nivel internacional: el diseño moderno. La construcción de la escuela Gran Colombia (1939) fue el punto de comienzo de esta corriente con la incorporación a la obra de espacios verdes. En 1941 Villanueva gana el concurso para la reurbanización de El Silencio (1944). Estos bloques incorporaron el uso comercial de la planta baja, práctica que no era usual para la época. Sin duda su reto mayor fue la construcción de la Universidad Central (1944-1960), ejemplo de la arquitectura moderna en el continente americano. Los dos edificios más importantes lo constituyen el Aula Magna y la Biblioteca Central, los cuales están unidos por una plaza cubierta. Para la creación del Aula Magna, Villanueva contó con la colaboración del escultor norteamericano Alexander Calder, quien diseñó -Las nubes- ubicadas en el techo de este auditorio y que cumplen una función acústica. En sus siguientes edificios seguiría incorporando obras de reconocidos pintores y escultores en los espacios públicos. Ya como director de la oficina de proyectos del Banco Obrero, se orientó hacia la creación de bloques que sirvieran de vivienda de uso colectivo, como son el caso de la unidad residencial Paraíso y el 23 de Enero (originalmente llamado 2 de Diciembre). El complejo que conforma la Ciudad Universitaria está considerado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Murió en la ciudad de Caracas el 16 de Agosto de 1975.
VICTOR VASARELY (1906, PECS, HUNGRIA- 1997, PARIS, FRANCIA)
Pintor, diseñador y artista cinético. Estudia medicina en Budapest pero abandona esta carrera para dedicarse al arte. Toma clases de pintura en la Academia Podolini-Volkkmann, y en 1928 ingresa a la Academia Mühely de Alexander Bortnyk, conocida como la Bauhaus de Budapest. Allí entra en contacto con el trabajo de Malevich, Mondrian, Gropius y Kandinsky. Cuando se traslada a París en 1930 comienza a trabajar como artista gráfico en avisos publicitarios, y también se dedica a la decoración. Cerca de 1932 diseña estampados textiles con formas geométricas que serían catalogados como sus primeras obras tendientes a generar efectos ópticos. Vasarely ha admitido que en sus inicios se sentía influido por Herbin, pero para desarrollar su estilo personal sigue trabajando en obras figurativas que apuntan hacia la cinética óptica.
En 1935 su obra Tablero de Ajedrez da cuenta de su interés por la ambigüedad visual. La ascendencia constructiva sobre sus pinturas deviene en sus series de Cebras, Arlequines, Dameros y Marcianos. Durante este período Vasarely explora además movimientos como el Cubismo, el Expresionismo o el Surrealismo. Asimismo, define la técnica de la "multidimensión", que logra pintando sobre sucesivas capas de papel celofán que al superponerse generan un efecto de profundidad. Participa en el Salón de Mai, en el Salón des Surindépendants y en el Salón des Realites Nouvelles. En la segunda mitad de la década de los cuarenta lo que queda de figuración en sus pinturas es sustituido por signos geométricos compuestos de manera abstracta. Se trata del inicio de la Abstracción Geométrica que le daría mayor notoriedad, y en la cual persiste en la experimentación con ilusiones ópticas y efectos tridimensionales. Poco más tarde, en la década de los cincuenta, desarrolla el Arte Cinético al emplear módulos geométricos y oposiciones entre el blanco y el negro en composiciones programadas para crear impresión de movimiento. Luego investiga con el color y va de la representación bidimensional a la construcción de piezas tridimensionales, siempre componiendo con base en formas geométricas y aplicando tanto las leyes de la óptica como los avances en la Psicología Gestalt.
En 1955 publica el "Manifiesto Amarillo" acerca de los principios del Arte Cinético. A partir de entonces otros manifiestos de su autoría, como "Plast-cité" publicado en 1970, volvieron sobre los fenómenos de la óptica aplicados a las artes visuales. Para Vasarely el "cinetisme" no procura la experiencia estética o la belleza, sino intervenir en la percepción para provocar una intensa experiencia visual que pase por la multidimensionalidad y el movimiento. Esta idea se relaciona con su noción acerca de la obra de arte como objeto que, a raíz de las técnicas modernas, deja de ser único para emparentarse con los productos fabricados en serie, mientras que el artista pasa a ser un obrero generador de prototipos susceptibles de ser copiados. Al avanzar en su carrera el interés de trascender el caballete e integrar su arte a la arquitectura también se hace suyo. Así, en 1954 participa en el proyecto del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, "Síntesis de la Artes Mayores" en la Ciudad Universitaria de Caracas con una composición en aluminio llamado Positivo-Negativo, un mural en cerámica esmaltada en Homenaje a Malevich, y el también en homenaje a Sofía Imber, Sophia, que igualmente ensambla baldosas de cerámica esmaltada pero esta vez en blanco y negro. Vasarely escribió a propósito del arquitecto venezolano y de la colaboración que le brindara en la Ciudad Universitaria: "El Dr. Villanueva ha creado una gran obra en Caracas con el espíritu audaz de los precursores. La Abstracción domina allí. Ha tratado de igual a igual con los artistas, y no habrá ninguna "decoración" en su ciudad, sino obras plásticas mayores que se integraran orgánicamente en la arquitectura. Me encargó crear tres "movimientos", distintos uno del otro. En perfecto acuerdo con el espíritu de la Ciudad, he logrado expresar en mis creaciones el pensamiento fundamental de mis preocupaciones plásticas: la era de las soluciones estrictamente bidimensionales se acaba lentamente, la unidad forma-color llega al espacio e integra en su dominio dos nuevas nociones, especialmente el "movimiento" y la "duración" temporal. La corriente "despejadora", válida después de comienzos del siglo de acaba y una era de prodigioso "enriquecimiento" comienza su camino".
Años más tarde, en 1967, realiza el Pabellón Francés para la Exposición Mundial de Montreal. En 1976, además, traza los planos de seis edificios hexagonales en Aix-en-Provence, que cubiertos de diseños geométricos de distintos colores conforman una "ciudad policromada". En los años setenta inaugura tres museos dedicados a la conservación de su obra y pensamiento que vienen a sumar su esfuerzo a los muchos museos, galerías y academias en toda Europa y América que desde la década de 1940 exhiben su trabajo. Premios como el Guggenheim que gana en New York en 1964, el Primer Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965, o el Premio de los Ministros Extranjeros en la Bienal de Tokio en 1967, se añaden a una larga lista de reconocimientos internacionales concedidos a quien se presenta como el artista más apreciado dentro de su estilo. Fundador del Cinetismo y pionero del posterior Op Art, Vasarely fallece en 1997. Su influencia no sólo alcanzó a muchos artistas de su tiempo y de generaciones posteriores, sino que se asentó en el diseño gráfico y se extendió a la topografía urbana por intermedio de cuantiosas reproducciones y permutaciones de sus composiciones "prototípicas".
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1947: Galería Dense René; París, Francia.
PREMIOS
1964: Premio Guggenheim.
1965: Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
1967: Premio de los Ministros Extranjeros en la Bienal de Tokio.
COLECCIONES
Tate Gallery
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela.
Museo de Arte Moderno de New York
Museo de Arte Moderno de París.
Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
Universidad Central de Venezuela, Caracas
En 1935 su obra Tablero de Ajedrez da cuenta de su interés por la ambigüedad visual. La ascendencia constructiva sobre sus pinturas deviene en sus series de Cebras, Arlequines, Dameros y Marcianos. Durante este período Vasarely explora además movimientos como el Cubismo, el Expresionismo o el Surrealismo. Asimismo, define la técnica de la "multidimensión", que logra pintando sobre sucesivas capas de papel celofán que al superponerse generan un efecto de profundidad. Participa en el Salón de Mai, en el Salón des Surindépendants y en el Salón des Realites Nouvelles. En la segunda mitad de la década de los cuarenta lo que queda de figuración en sus pinturas es sustituido por signos geométricos compuestos de manera abstracta. Se trata del inicio de la Abstracción Geométrica que le daría mayor notoriedad, y en la cual persiste en la experimentación con ilusiones ópticas y efectos tridimensionales. Poco más tarde, en la década de los cincuenta, desarrolla el Arte Cinético al emplear módulos geométricos y oposiciones entre el blanco y el negro en composiciones programadas para crear impresión de movimiento. Luego investiga con el color y va de la representación bidimensional a la construcción de piezas tridimensionales, siempre componiendo con base en formas geométricas y aplicando tanto las leyes de la óptica como los avances en la Psicología Gestalt.
En 1955 publica el "Manifiesto Amarillo" acerca de los principios del Arte Cinético. A partir de entonces otros manifiestos de su autoría, como "Plast-cité" publicado en 1970, volvieron sobre los fenómenos de la óptica aplicados a las artes visuales. Para Vasarely el "cinetisme" no procura la experiencia estética o la belleza, sino intervenir en la percepción para provocar una intensa experiencia visual que pase por la multidimensionalidad y el movimiento. Esta idea se relaciona con su noción acerca de la obra de arte como objeto que, a raíz de las técnicas modernas, deja de ser único para emparentarse con los productos fabricados en serie, mientras que el artista pasa a ser un obrero generador de prototipos susceptibles de ser copiados. Al avanzar en su carrera el interés de trascender el caballete e integrar su arte a la arquitectura también se hace suyo. Así, en 1954 participa en el proyecto del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, "Síntesis de la Artes Mayores" en la Ciudad Universitaria de Caracas con una composición en aluminio llamado Positivo-Negativo, un mural en cerámica esmaltada en Homenaje a Malevich, y el también en homenaje a Sofía Imber, Sophia, que igualmente ensambla baldosas de cerámica esmaltada pero esta vez en blanco y negro. Vasarely escribió a propósito del arquitecto venezolano y de la colaboración que le brindara en la Ciudad Universitaria: "El Dr. Villanueva ha creado una gran obra en Caracas con el espíritu audaz de los precursores. La Abstracción domina allí. Ha tratado de igual a igual con los artistas, y no habrá ninguna "decoración" en su ciudad, sino obras plásticas mayores que se integraran orgánicamente en la arquitectura. Me encargó crear tres "movimientos", distintos uno del otro. En perfecto acuerdo con el espíritu de la Ciudad, he logrado expresar en mis creaciones el pensamiento fundamental de mis preocupaciones plásticas: la era de las soluciones estrictamente bidimensionales se acaba lentamente, la unidad forma-color llega al espacio e integra en su dominio dos nuevas nociones, especialmente el "movimiento" y la "duración" temporal. La corriente "despejadora", válida después de comienzos del siglo de acaba y una era de prodigioso "enriquecimiento" comienza su camino".
Años más tarde, en 1967, realiza el Pabellón Francés para la Exposición Mundial de Montreal. En 1976, además, traza los planos de seis edificios hexagonales en Aix-en-Provence, que cubiertos de diseños geométricos de distintos colores conforman una "ciudad policromada". En los años setenta inaugura tres museos dedicados a la conservación de su obra y pensamiento que vienen a sumar su esfuerzo a los muchos museos, galerías y academias en toda Europa y América que desde la década de 1940 exhiben su trabajo. Premios como el Guggenheim que gana en New York en 1964, el Primer Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965, o el Premio de los Ministros Extranjeros en la Bienal de Tokio en 1967, se añaden a una larga lista de reconocimientos internacionales concedidos a quien se presenta como el artista más apreciado dentro de su estilo. Fundador del Cinetismo y pionero del posterior Op Art, Vasarely fallece en 1997. Su influencia no sólo alcanzó a muchos artistas de su tiempo y de generaciones posteriores, sino que se asentó en el diseño gráfico y se extendió a la topografía urbana por intermedio de cuantiosas reproducciones y permutaciones de sus composiciones "prototípicas".
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1947: Galería Dense René; París, Francia.
PREMIOS
1964: Premio Guggenheim.
1965: Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
1967: Premio de los Ministros Extranjeros en la Bienal de Tokio.
COLECCIONES
Tate Gallery
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela.
Museo de Arte Moderno de New York
Museo de Arte Moderno de París.
Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
Universidad Central de Venezuela, Caracas
MATEO MANAURE (1926, URACOA, VENEZUELA)
Pintor. Inicia su formación artística en 1941 en el Taller de Pedro Ángel González, de quien aprenderá técnicas gráficas y será asistente, y en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, de la cual egresa en 1946. Desde sus primeros años de estudio participa en el Salón Oficial Anual de Arte Venezolano del Museo de Bellas Artes (MBA) y en el Salón Arturo Michelena (Ateneo de Valencia).
En 1947 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas con sus obras Bodegón, Desnudo y Paisaje, expone con Pascual Navarro en el MBA y viaja a París, donde realiza Escuchando al Idiota (1949, FGAN). Para el libro de edición limitada de Oswaldo Trejo, realiza 1 carboncillo y 5 litografías. Al año siguiente regresa a Caracas y junto con otros artistas funda el Taller Libre de Arte. Retorna a la capital francesa, forma parte del grupo Los Disidentes en 1950 y participa en el V Salón Les Realités Nouvelles. Nuevamente en Caracas funda en 1952, junto a Carlos González Bogen, la Galería Cuatro Muros, donde organizan la Primera Exposición Internacional de Arte Abstracto en el país. Asimismo, participa activamente en el proyecto de Síntesis de las Artes Mayores, junto al arquitecto Carlos Raúl Villanueva, en la supervisión de las obras de arte para la Ciudad Universitaria de Caracas, así como con 26 obras de su propia creación, entre murales, policromías, vitrales y mobiliario arquitectónico. Por ello, participa también en las policromías para las Urbanizaciones 23 de Enero y Simón Rodríguez. Realiza trabajos para el hall del Teatro París y para la Maternidad Concepción Palacios, entre otros.
Desde 1953 despliega un particular interés por el diseño gráfico del cual llega a ser uno de los pioneros en nuestro país; se interesa por la diagramación e ilustración de revistas, afiches y libros entre los cuales destacarán El Tirano Aguirre (1979) de Vicente Gerbasi y Resguardo Descampado (1979) de Alfredo Silva Estrada. En el campo de las artes gráficas incursiona con una nueva técnica para la litografía conocida como "impresos simultáneos" (1976) que consiste en el color aplicado al entintado de la prensa permitiendo mantener la armonía en varios tonos. Manaure participa en la fundación del Grupo Sardio, se dedica a la pintura y a la docencia, así como al periodismo de opinión en el diario El Nacional.
En 1984 es designado Presidente de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos (AVAP). A partir de esta década, experimenta en el campo del cine y realiza algunos cortometrajes como Misterio de Amor, Trans e Inocencia Mortal. En cuanto a su producción plástica, Manaure elabora una obra que evoluciona de manera alternativa entre dos corrientes disímiles: la Figuración y la Abstracción. En sus inicios presenta motivos tradicionales propios a los primeros años de formación artística: desnudos, paisajes y naturalezas muertas, caracterizados por un fuerte carácter expresionista.
Entre 1948 y 1952 se aprecia una etapa de estilo surrealista, señalada por el crítico Juan Calzadilla como "la transición del figurativismo de los años de Caracas a un mundo de formas inorgánicas, embrionarias, infusas en espacios ambiguos, en cuyas evoluciones se denuncia insistentemente un enigma erótico" (1967, p. 7).
Entre 1952 y 1954 se da un proceso de ruptura hacia la abstracción geométrica, que lo llevará a la realización de murales en arquitecturas con las ideas integracionistas de la época. La madurez que logra el artista en esta tendencia se hace evidente en la muestra que presenta en 1956 en el MBA, calificada como una de las más significativas dentro de este movimiento en nuestro país. Sin embargo, en los últimos años de esta década Manaure emprende una búsqueda que se acerca más a los impulsos internos y se aleja de las construcciones racionales teniendo como prioridad la exploración de la materia y el color, adentrándose así en los senderos de una abstracción lírica, influencia del Movimiento Expresionista que tuvo lugar por esos años en Caracas y que mostró un creciente interés por la materia pictórica en un orden no racional. Esta subjetivización en el lenguaje condujo al artista a una nueva búsqueda.
En 1962 retorna a la figuración ejecutando paisajes imaginarios, visiones de cerros y ranchos de atmósferas nocturnas y misteriosas, realizados con gran economía de medios y en formatos pequeños. En 1965 desarrolla una etapa de tono fantástico y surrealista. Su búsqueda en el arte de los objetos y ensamblaje de los mismos lo acercan al mundo mágico de Mario Abreu. En este mismo discurso de imágenes disociadas, recurre a la técnica del collage combinando pinturas y fotografías. Bajo el título de Pinturas Sobremontaje logra efectos visuales al contraponer ambas técnicas en un mismo espacio para crear combinaciones oníricas.
En 1967 realiza la serie titulada Los Suelos de mi Tierra, en la cual explora el espacio bidimensional creando planos imaginarios y atmósferas enrarecidas. La desaparición de formas y figuras señalan una depuración del lenguaje que da paso a un paisaje de introspección psíquica. Tras haber alcanzado esta síntesis en el lenguaje pictórico, retoma la abstracción geométrica ahora con un sentido constructivista.
Hacia 1970 realiza sus Cuvisiones, en las que la figura del cubo se convierte en eje del discurso y donde la línea, el color y la forma se combinan para crear construcciones de índole racional y matemático generando efectos retinianos en la percepción del espectador. Los contrastes entre forma y espacio crean un dinamismo que lo vinculan con el Arte Óptico. Alfredo Boulton señaló que "esta etapa es el paso precedente para el empleo de su nueva forma lineal. El cubo de las 'cuvisiones' busca su estructura física y se vuelve un objeto de madera, el que a su vez, con esa increíble imaginación del artista, se vuelve pantalla, taco, muro, separación de luz, y al mismo tiempo, y es ésta acaso su mayor importancia, se vuelve prisma que recoge en su espacio de vidrio todo el ambiente cromático y de formas que lo rodean y de pronto entra a vibrar como un nuevo organismo que cobra presencia humana" (1969, p. 4). Por esta misma vía de la abstracción Manaure desarrolla una nueva propuesta que en 1977 presenta bajo el título de Columnas Policromadas, composiciones escultóricas de carácter serial y programado, basadas en elementos repetitivos, como la línea y el color dispuestos a manera de franjas que abarcan casi la totalidad de plano, creando así un ritmo de armonías cromáticas y lineales que propicia efectos retinianos. Una de estas obras, de 20 metros y 5 murales, se encuentran actualmente en la Plaza La Concordia de Caracas. Sin embargo, en su intento por encontrar un lenguaje que exprese las fuentes de nuestra identidad, Manaure retoma nuevamente la figuración en 1981 con Mirar a América, imágenes inspiradas en los ídolos locales tomando como referencia las figuras prehispánicas de Barrancas del Orinoco mediante líneas, colores y formas primarias. Ese mismo año elabora Letanías para los tristes y pesimistas, de tono caricaturesco y fuerte crítica política y social.
En 1989 recurre nuevamente a la técnica del collage construyendo fotomontajes donde lo real y lo ilusorio develan los signos de nuestra contemporaneidad. Lo poético, lo sarcástico, lo erótico y lo místico denuncian los extravíos de una sociedad en descomposición. Este mismo año, realiza la serie Orinoquia como homenaje al pueblo de origen, un retorno a las atmósferas de color difusas que sugieren paisajes imaginarios en torno al río. En este mismo sentido y vinculado a su lugar de origen, Uracoa, Manaure profundiza en la temática de la identidad al buscar en los remotos orígenes de nuestra etnia un acercamiento a lo ancestral y lo autóctono. Tras largos años de vivencia a las orillas del río Uracoa y el Delta del Orinoco, pinta en 1992 la serie Ofrenda a mi Raza en cuyas composiciones se delinea una figura esquematizada que evoca símbolos metamorfoseados de épocas remotas. En 1994 regresa a la abstracción geométrica desarrollando así una propuesta renovada y más amplia que expone en 1996 con el título de Saludo al Tercer Milenio: construcciones, cúpulas cromáticas y cubos que revelan un magistral dominio del espacio mediante la utilización de construcciones geométricas, líneas y colores. La Fundación Galería de Arte Nacional (FGAN) posee en su colección varias obras de Manaure pertenecientes a sus distintos períodos: Retrato de la Señora Palacios (1949), La Selva, Suelos de mi Tierra (1967), Cuvisiones (1970) y Columna Policromada (1976).
En 1947 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas con sus obras Bodegón, Desnudo y Paisaje, expone con Pascual Navarro en el MBA y viaja a París, donde realiza Escuchando al Idiota (1949, FGAN). Para el libro de edición limitada de Oswaldo Trejo, realiza 1 carboncillo y 5 litografías. Al año siguiente regresa a Caracas y junto con otros artistas funda el Taller Libre de Arte. Retorna a la capital francesa, forma parte del grupo Los Disidentes en 1950 y participa en el V Salón Les Realités Nouvelles. Nuevamente en Caracas funda en 1952, junto a Carlos González Bogen, la Galería Cuatro Muros, donde organizan la Primera Exposición Internacional de Arte Abstracto en el país. Asimismo, participa activamente en el proyecto de Síntesis de las Artes Mayores, junto al arquitecto Carlos Raúl Villanueva, en la supervisión de las obras de arte para la Ciudad Universitaria de Caracas, así como con 26 obras de su propia creación, entre murales, policromías, vitrales y mobiliario arquitectónico. Por ello, participa también en las policromías para las Urbanizaciones 23 de Enero y Simón Rodríguez. Realiza trabajos para el hall del Teatro París y para la Maternidad Concepción Palacios, entre otros.
Desde 1953 despliega un particular interés por el diseño gráfico del cual llega a ser uno de los pioneros en nuestro país; se interesa por la diagramación e ilustración de revistas, afiches y libros entre los cuales destacarán El Tirano Aguirre (1979) de Vicente Gerbasi y Resguardo Descampado (1979) de Alfredo Silva Estrada. En el campo de las artes gráficas incursiona con una nueva técnica para la litografía conocida como "impresos simultáneos" (1976) que consiste en el color aplicado al entintado de la prensa permitiendo mantener la armonía en varios tonos. Manaure participa en la fundación del Grupo Sardio, se dedica a la pintura y a la docencia, así como al periodismo de opinión en el diario El Nacional.
En 1984 es designado Presidente de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos (AVAP). A partir de esta década, experimenta en el campo del cine y realiza algunos cortometrajes como Misterio de Amor, Trans e Inocencia Mortal. En cuanto a su producción plástica, Manaure elabora una obra que evoluciona de manera alternativa entre dos corrientes disímiles: la Figuración y la Abstracción. En sus inicios presenta motivos tradicionales propios a los primeros años de formación artística: desnudos, paisajes y naturalezas muertas, caracterizados por un fuerte carácter expresionista.
Entre 1948 y 1952 se aprecia una etapa de estilo surrealista, señalada por el crítico Juan Calzadilla como "la transición del figurativismo de los años de Caracas a un mundo de formas inorgánicas, embrionarias, infusas en espacios ambiguos, en cuyas evoluciones se denuncia insistentemente un enigma erótico" (1967, p. 7).
Entre 1952 y 1954 se da un proceso de ruptura hacia la abstracción geométrica, que lo llevará a la realización de murales en arquitecturas con las ideas integracionistas de la época. La madurez que logra el artista en esta tendencia se hace evidente en la muestra que presenta en 1956 en el MBA, calificada como una de las más significativas dentro de este movimiento en nuestro país. Sin embargo, en los últimos años de esta década Manaure emprende una búsqueda que se acerca más a los impulsos internos y se aleja de las construcciones racionales teniendo como prioridad la exploración de la materia y el color, adentrándose así en los senderos de una abstracción lírica, influencia del Movimiento Expresionista que tuvo lugar por esos años en Caracas y que mostró un creciente interés por la materia pictórica en un orden no racional. Esta subjetivización en el lenguaje condujo al artista a una nueva búsqueda.
En 1962 retorna a la figuración ejecutando paisajes imaginarios, visiones de cerros y ranchos de atmósferas nocturnas y misteriosas, realizados con gran economía de medios y en formatos pequeños. En 1965 desarrolla una etapa de tono fantástico y surrealista. Su búsqueda en el arte de los objetos y ensamblaje de los mismos lo acercan al mundo mágico de Mario Abreu. En este mismo discurso de imágenes disociadas, recurre a la técnica del collage combinando pinturas y fotografías. Bajo el título de Pinturas Sobremontaje logra efectos visuales al contraponer ambas técnicas en un mismo espacio para crear combinaciones oníricas.
En 1967 realiza la serie titulada Los Suelos de mi Tierra, en la cual explora el espacio bidimensional creando planos imaginarios y atmósferas enrarecidas. La desaparición de formas y figuras señalan una depuración del lenguaje que da paso a un paisaje de introspección psíquica. Tras haber alcanzado esta síntesis en el lenguaje pictórico, retoma la abstracción geométrica ahora con un sentido constructivista.
Hacia 1970 realiza sus Cuvisiones, en las que la figura del cubo se convierte en eje del discurso y donde la línea, el color y la forma se combinan para crear construcciones de índole racional y matemático generando efectos retinianos en la percepción del espectador. Los contrastes entre forma y espacio crean un dinamismo que lo vinculan con el Arte Óptico. Alfredo Boulton señaló que "esta etapa es el paso precedente para el empleo de su nueva forma lineal. El cubo de las 'cuvisiones' busca su estructura física y se vuelve un objeto de madera, el que a su vez, con esa increíble imaginación del artista, se vuelve pantalla, taco, muro, separación de luz, y al mismo tiempo, y es ésta acaso su mayor importancia, se vuelve prisma que recoge en su espacio de vidrio todo el ambiente cromático y de formas que lo rodean y de pronto entra a vibrar como un nuevo organismo que cobra presencia humana" (1969, p. 4). Por esta misma vía de la abstracción Manaure desarrolla una nueva propuesta que en 1977 presenta bajo el título de Columnas Policromadas, composiciones escultóricas de carácter serial y programado, basadas en elementos repetitivos, como la línea y el color dispuestos a manera de franjas que abarcan casi la totalidad de plano, creando así un ritmo de armonías cromáticas y lineales que propicia efectos retinianos. Una de estas obras, de 20 metros y 5 murales, se encuentran actualmente en la Plaza La Concordia de Caracas. Sin embargo, en su intento por encontrar un lenguaje que exprese las fuentes de nuestra identidad, Manaure retoma nuevamente la figuración en 1981 con Mirar a América, imágenes inspiradas en los ídolos locales tomando como referencia las figuras prehispánicas de Barrancas del Orinoco mediante líneas, colores y formas primarias. Ese mismo año elabora Letanías para los tristes y pesimistas, de tono caricaturesco y fuerte crítica política y social.
En 1989 recurre nuevamente a la técnica del collage construyendo fotomontajes donde lo real y lo ilusorio develan los signos de nuestra contemporaneidad. Lo poético, lo sarcástico, lo erótico y lo místico denuncian los extravíos de una sociedad en descomposición. Este mismo año, realiza la serie Orinoquia como homenaje al pueblo de origen, un retorno a las atmósferas de color difusas que sugieren paisajes imaginarios en torno al río. En este mismo sentido y vinculado a su lugar de origen, Uracoa, Manaure profundiza en la temática de la identidad al buscar en los remotos orígenes de nuestra etnia un acercamiento a lo ancestral y lo autóctono. Tras largos años de vivencia a las orillas del río Uracoa y el Delta del Orinoco, pinta en 1992 la serie Ofrenda a mi Raza en cuyas composiciones se delinea una figura esquematizada que evoca símbolos metamorfoseados de épocas remotas. En 1994 regresa a la abstracción geométrica desarrollando así una propuesta renovada y más amplia que expone en 1996 con el título de Saludo al Tercer Milenio: construcciones, cúpulas cromáticas y cubos que revelan un magistral dominio del espacio mediante la utilización de construcciones geométricas, líneas y colores. La Fundación Galería de Arte Nacional (FGAN) posee en su colección varias obras de Manaure pertenecientes a sus distintos períodos: Retrato de la Señora Palacios (1949), La Selva, Suelos de mi Tierra (1967), Cuvisiones (1970) y Columna Policromada (1976).
martes, 13 de enero de 2009
VICTOR VALERA (1927, MARACAIBO, VENEZUELA)
Escultor. Inicia sus estudios de arte en Maracaibo en 1941 y en 1945 se traslada a Caracas donde se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas (1948-1950), de donde es expulsado a raíz de las huelgas de estudiantes. A partir de 1950 se incorpora al Taller Libre de Arte.
En 1952, con una modesta beca, viaja a París, donde se incorpora al taller de Jean Dewasne y Víctor Vasarely. Realiza pinturas abstractas y trabaja en el taller de Fernand Léger. Entra en contacto con Robert Jacobsen, quien lo anima a realizar obras tridimensionales en hierro, material que introduce en la escultura venezolana. Durante esta época investiga los problemas de la forma y el color en relación con el espacio virtual o real. A su regreso a Caracas (1954) trabaja obras figurativas con soldadura. Comienza sus investigaciones volumétricas, utilizando láminas de metal como si fuera tela que cortaba y recomponía; a partir de su aprendizaje en soldadura, percibe el volumen más desde sí mismo que desde el exterior. El resultado de esta fuerte introspección es Aroa (1958, FGAN), Premio de Escultura del Salón Oficial Anual de Arte Venezolano. Se incorpora al proyecto de integración de arte y arquitectura, concebido por Carlos Raúl Villanueva, en la Ciudad Universitaria de Caracas; a partir de aquí, la integración de arquitectura y plástica se constituirá como uno de los vértices principales en la indagación creativa de Valera. Todos los murales cerámicos existentes en los edificios de la Facultad de Humanidades y Educación de la UCV (1955-56), con excepción de los ubicados en el interior de la Biblioteca de la Escuela de Psicología fueron creados por Valera. En este edificio por la puerta sur, sobre las paredes del vestíbulo se encuentran dos murales. El de la izquierda semeja un gigantesco encerado de fondo negro sobre el que infinidad de líneas blancas producen vibraciones ópticas. El de la derecha opone una acción contraria con su fondo blanco y líneas negras. Frente al auditorio, otras gráficas divididas por un pasillo, producen una acción dinámica que a su vez desarrolla otros centros radicales de líneas negras y amarillas. En el extremo este de la misma Facultad de Humanidades hay otros dos murales, uno junto a la rampa de acceso al piso superior y otro sobre la alargada pared que limita con la Biblioteca de la Escuela de Psicología. La composición del primero se basa en la verticalidad de sus líneas en amarillo y blanco, mínimos recursos con los que se trata de concretar una fina armonía. Este mismo tema se repite en la pared de la rampa sur y en la Escuela de Derecho. El segundo mural consiste en dos planos compositivos adosados a la pared en composición horizontal, cuya gráfica de ángulos verticales forma un dinámico fuelle de colores. Igualmente elabora dos murales más para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de esta universidad. Valera continúa trabajando en hierro y elabora una sucesión de imágenes multiformes entre sí y a la vez seriales. Las piezas están decapitadas o guardan posturas desgarradoras, son victimizadas o prisioneras, con una elaboración particular de sus morfologías, posturas, afeites y ropajes que permite el montaje de un código intrínseco al conjunto de obras producidas. En las obras de esta época se evidencia la repetición de la figura, de los perfiles y de las cabezas.
En 1963 realizó una exposición individual (Sala Mendoza, Caracas) y al año siguiente trabajó junto al escultor inglés Kenneth Armitage y un grupo de siete escultores jóvenes venezolanos -Harry Abend, Max Pedemonte, Fernando Irazábal, Carlos Prada, Gilberto Manrique, Edgar Guinand y Alejandro Henríquez- en un taller que duró tres meses y que al finalizar presentó la exposición Kenneth Armitage y ocho escultores venezolanos en el Museo de Bellas Artes de Caracas. En 1966 formó parte del envío venezolano a la XXXIII Bienal de Venecia, en 1967 gana la IV Bienal Armando Reverón con Andrés y el Balancín (FGAN) y hacia 1969 trabaja con varillas tubulares con sentido de símbolos. Una segunda etapa se extiende entre las décadas de los setenta y ochenta, durante la cual retoma la exploración de la luz, el neoplasticismo y el cinetismo. Valera realiza su serie de torres metálicas que llama Esquemas Perforados, y la serie de las cajas (1972-73). Existe un rigor geometrizante en estas obras pero sobre todo es de notar cómo cierta severidad formal geométrica cede ante las ondulaciones dadas por la planimetría y la volumetría, lo cual indica la compenetración lograda por su investigación en la arquitectura, así como la madurez obtenida en el trato con la materia escultórica. En este momento, el espectador adquiere un papel de mayor relevancia, pues Valera considera las posibilidades virtuales de ciertas realizaciones, en conjunto con la reflexión y difuminación de la luz, aunadas a la sensualidad de las nuevas formas y la monumentalidad de las dimensiones.
En 1971 Valera ingresa como docente en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, y al año siguiente obtiene el primer premio en el XXX Salón Michelena de Valencia. Entre sus trabajos integrados a las edificaciones, se cuentan, entre otras, la primera de las dos obras ubicadas en el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (IVIC). Los Papeles Perforados son otro elemento importante en las realizaciones de Valera durante los años ochenta, a los que llega por el manejo sensual y sutil de la técnica escultórica que no teme regresar a ciertas formulaciones bidimensionales: entre óvalos y asimetrías se observa la línea atravesada por la escuela constructivista; a través de las perforaciones se nota la obsesión por la luminosidad y la fascinación por esa faz oculta de la luz que es la sombra. Para Víctor Guédez, los Papeles perforados "no representan una ruptura traumática con los términos sintácticos y semánticos de sus esculturas, sino más bien, una continuación signada por la coherencia de un discurso y por la autenticidad de una infraestructura afectiva" (1984). Las principales características de la obra realizada en la década de 1980 es el trabajo con agregados, que define el barroquismo de las nuevas piezas, la serialidad decantada, la policromía y sobretodo, la recuperación de la volumetría en piezas que juegan un territorio fronterizo entre lo figurativo y lo abstracto, entre lo totémico y la ciencia ficción. Para María Elena Ramos, estos objetos parecen originarse en lecturas de Julio Verne; para Enrique Viloria, los objetos son atemporales pues no puede decidirse si son restos arcaicos, objetos arqueológicos, o pequeñas máquinas y artefactos del futuro. En todo caso, el artista presenta en 1985, en la Galería de Arte Nacional, la exposición Víctor Valera y el cometa Halley, en la que propone una visión desenfadada de los adelantos tecnológicos que circundan tanto la vida rutinaria como las estrellas y el espacio exterior. A pesar de las variaciones técnicas y formales que se introducen en su obra, una propiedad se mantiene inalterable, la voluntad de construcción con sentido de una manera sintáctica, morfológica, que se ha constituido en un código personal, en un lenguaje artístico inconfundible. La Fundación Galería de Arte Nacional (FGAN) posee de Valera, varias obras.
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1961: Pinturas y Esculturas, Colegio de Ingenieros, Caracas. Colegio de Ingenieros, Maracaibo, Edo. Zulia.
1963: Sala de Exposiciones, Fundación Eugenio Mendoza, Caracas.
1965: Retrospectiva de la Obra Pictórica, Ateneo de Caracas.
1969: Esculturas en Estudio Actual, Estudio Actual, Caracas. Casa de la Cultura, Maracay, Edo. Aragua.
1973: Relieves y Esculturas, Estudio Actual, Caracas. Relieves y Esculturas, Estudio Dos, Valencia, Edo. Carabobo. Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia.
1974: Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá. Relieves: 74, Estudio Actual, Caracas.
1980: Papeles Perforados, Estudio Actual, Caracas.
1981: Esculturas, Estudio Actual, Caracas.
1982: 3 Esculturas: Homenaje a los Cantantes Populares, Galería de Arte Nacional, Caracas. Galería Estudio Actual, Caracas. Centroarte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo.
1984: Esculturas 1954-1984, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
1985: Víctor Valera y el Cometa Halley, Galería de Arte Nacional, Caracas. Retrospectiva de Víctor Valera, Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia. Voces para Leer, Sala IPOSTEL, extensión oeste, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Voces para Leer, Colegio de Abogados, Maracaibo, Edo. Zulia. Voces para Leer, Bogotá.
1986: Ateneo de Cumaná, Edo. Sucre.
1987: Columnas Excéntricas para Demarcar un Espacio Americano, Galería Durban, Caracas.
1989: En el Valle de los Quetzales, Galería Sin Límite, San Cristóbal, Edo. Táchira.
1990: Voces para Leer, Museo Municipal de Artes Gráficas, Maracaibo, Edo. Zulia.
1991: Voces para Leer, Museo de Arte Moderno de Mérida, Edo. Mérida.
1992: Formas para Tocar, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber.
1993: Textos del Chilam Balam, Galería Durban, Caracas.
1994: Papeles Perforados y Fotomontajes, Sala Anexa, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta. Papeles Perforados y Fotomontajes, Museo de Arte Contemporáneo Marío Abreu, Maracay, Edo. Aragua.
1996: En el Valle de los Quetzales. Galería Durban, Caracas.
1997: Esqueje al Cuadrado: Víctor Valera, pequeño y mediano formato, Sala Alternativa, Caracas.
1998: Obras de 1993-1996, Galería PDV, Caracas.
PREMIOS
1955: Tercer Premio (Pintura), II Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1956: Primer Premio (Pintura), III Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1957: Primer Premio, I Salón de Arte Abstracto, Caracas.
1958: Premio Nacional de Escultura, XIX Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes, Caracas.
1962: Primer Premio de Escultura, II Salón Anual de la Casa de la Cultura del Estado Aragua, Maracay, Edo. Aragua. Premio Universidad de Carabobo, XX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo. Premio Julio Morales Lara, XX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
1964: Primer Premio de Escultura, I Salón de Jóvenes Artistas, Museo de Bellas Artes, Caracas. Premio Ejecutivo del Estado Zulia (Escultura), X Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1965: Segundo Premio de Escultura, Concurso de Pintura y Escultura Pegaso, Mobil de Venezuela, Caracas.
1967: Premio Único, IV Bienal Armando Reverón, Museo de Bellas Artes, Caracas.
1969: Premio Julio Morales Lara, XXVII Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo. Primer Premio de Escultura, XII Salón D'Empaire, Maracaibo, Edo. Zulia.
1972: Premio Arturo Michelena, XXX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
1983: Primer Premio, I Bienal de Escultura Francisco Narváez, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.
1984: Premio Aica al Mejor Artista del Año, Caracas.
1986: Premio Juan Lovera, XLIV Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
COLECCIONES
Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
Banco Central de Colombia, Bogotá.
Consejo Municipal del Distrito Maracaibo, Maracaibo, Edo. Zulia.
Fundación Galería de Arte Nacional, Caracas, Distrito Federal.
Hotel Caracas Hilton, Caracas, Distrito Federal.
Hotel Macuto Sheraton, Macuto, Estado Vargas.
Instituto Nacional de la Vivienda, INAVI, Maracaibo, Edo. Zulia.
Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas, IVIC, Altos de Pipe, Edo. Miranda.
Maraven, Caracas, Distrito Federal.
Museo Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo.
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Distrito Federal.
Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.
Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Edo. Bolívar.
Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
Museo de Arte Moderno de Mérida, Edo. Mérida.
Museo de Bellas Artes, Caracas, Distrito Federal.
Nunciatura Apostólica de Caracas, Caracas, Distrito Federal.
Parque de la Nacionalidad, Maracaibo, Edo. Zulia.
Parque Rómulo Betancourt, Caracas, Distrito Federal.
Paseo Las Ciencias, Maracaibo, Edo. Zulia.
Teatro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia.
Unión Panamericana, Washington D.C., USA.
Universidad Central de Venezuela, Caracas, Distrito Federal.
Universidad del Zulia, Maracaibo, Edo. Zulia
En 1952, con una modesta beca, viaja a París, donde se incorpora al taller de Jean Dewasne y Víctor Vasarely. Realiza pinturas abstractas y trabaja en el taller de Fernand Léger. Entra en contacto con Robert Jacobsen, quien lo anima a realizar obras tridimensionales en hierro, material que introduce en la escultura venezolana. Durante esta época investiga los problemas de la forma y el color en relación con el espacio virtual o real. A su regreso a Caracas (1954) trabaja obras figurativas con soldadura. Comienza sus investigaciones volumétricas, utilizando láminas de metal como si fuera tela que cortaba y recomponía; a partir de su aprendizaje en soldadura, percibe el volumen más desde sí mismo que desde el exterior. El resultado de esta fuerte introspección es Aroa (1958, FGAN), Premio de Escultura del Salón Oficial Anual de Arte Venezolano. Se incorpora al proyecto de integración de arte y arquitectura, concebido por Carlos Raúl Villanueva, en la Ciudad Universitaria de Caracas; a partir de aquí, la integración de arquitectura y plástica se constituirá como uno de los vértices principales en la indagación creativa de Valera. Todos los murales cerámicos existentes en los edificios de la Facultad de Humanidades y Educación de la UCV (1955-56), con excepción de los ubicados en el interior de la Biblioteca de la Escuela de Psicología fueron creados por Valera. En este edificio por la puerta sur, sobre las paredes del vestíbulo se encuentran dos murales. El de la izquierda semeja un gigantesco encerado de fondo negro sobre el que infinidad de líneas blancas producen vibraciones ópticas. El de la derecha opone una acción contraria con su fondo blanco y líneas negras. Frente al auditorio, otras gráficas divididas por un pasillo, producen una acción dinámica que a su vez desarrolla otros centros radicales de líneas negras y amarillas. En el extremo este de la misma Facultad de Humanidades hay otros dos murales, uno junto a la rampa de acceso al piso superior y otro sobre la alargada pared que limita con la Biblioteca de la Escuela de Psicología. La composición del primero se basa en la verticalidad de sus líneas en amarillo y blanco, mínimos recursos con los que se trata de concretar una fina armonía. Este mismo tema se repite en la pared de la rampa sur y en la Escuela de Derecho. El segundo mural consiste en dos planos compositivos adosados a la pared en composición horizontal, cuya gráfica de ángulos verticales forma un dinámico fuelle de colores. Igualmente elabora dos murales más para la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de esta universidad. Valera continúa trabajando en hierro y elabora una sucesión de imágenes multiformes entre sí y a la vez seriales. Las piezas están decapitadas o guardan posturas desgarradoras, son victimizadas o prisioneras, con una elaboración particular de sus morfologías, posturas, afeites y ropajes que permite el montaje de un código intrínseco al conjunto de obras producidas. En las obras de esta época se evidencia la repetición de la figura, de los perfiles y de las cabezas.
En 1963 realizó una exposición individual (Sala Mendoza, Caracas) y al año siguiente trabajó junto al escultor inglés Kenneth Armitage y un grupo de siete escultores jóvenes venezolanos -Harry Abend, Max Pedemonte, Fernando Irazábal, Carlos Prada, Gilberto Manrique, Edgar Guinand y Alejandro Henríquez- en un taller que duró tres meses y que al finalizar presentó la exposición Kenneth Armitage y ocho escultores venezolanos en el Museo de Bellas Artes de Caracas. En 1966 formó parte del envío venezolano a la XXXIII Bienal de Venecia, en 1967 gana la IV Bienal Armando Reverón con Andrés y el Balancín (FGAN) y hacia 1969 trabaja con varillas tubulares con sentido de símbolos. Una segunda etapa se extiende entre las décadas de los setenta y ochenta, durante la cual retoma la exploración de la luz, el neoplasticismo y el cinetismo. Valera realiza su serie de torres metálicas que llama Esquemas Perforados, y la serie de las cajas (1972-73). Existe un rigor geometrizante en estas obras pero sobre todo es de notar cómo cierta severidad formal geométrica cede ante las ondulaciones dadas por la planimetría y la volumetría, lo cual indica la compenetración lograda por su investigación en la arquitectura, así como la madurez obtenida en el trato con la materia escultórica. En este momento, el espectador adquiere un papel de mayor relevancia, pues Valera considera las posibilidades virtuales de ciertas realizaciones, en conjunto con la reflexión y difuminación de la luz, aunadas a la sensualidad de las nuevas formas y la monumentalidad de las dimensiones.
En 1971 Valera ingresa como docente en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, y al año siguiente obtiene el primer premio en el XXX Salón Michelena de Valencia. Entre sus trabajos integrados a las edificaciones, se cuentan, entre otras, la primera de las dos obras ubicadas en el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (IVIC). Los Papeles Perforados son otro elemento importante en las realizaciones de Valera durante los años ochenta, a los que llega por el manejo sensual y sutil de la técnica escultórica que no teme regresar a ciertas formulaciones bidimensionales: entre óvalos y asimetrías se observa la línea atravesada por la escuela constructivista; a través de las perforaciones se nota la obsesión por la luminosidad y la fascinación por esa faz oculta de la luz que es la sombra. Para Víctor Guédez, los Papeles perforados "no representan una ruptura traumática con los términos sintácticos y semánticos de sus esculturas, sino más bien, una continuación signada por la coherencia de un discurso y por la autenticidad de una infraestructura afectiva" (1984). Las principales características de la obra realizada en la década de 1980 es el trabajo con agregados, que define el barroquismo de las nuevas piezas, la serialidad decantada, la policromía y sobretodo, la recuperación de la volumetría en piezas que juegan un territorio fronterizo entre lo figurativo y lo abstracto, entre lo totémico y la ciencia ficción. Para María Elena Ramos, estos objetos parecen originarse en lecturas de Julio Verne; para Enrique Viloria, los objetos son atemporales pues no puede decidirse si son restos arcaicos, objetos arqueológicos, o pequeñas máquinas y artefactos del futuro. En todo caso, el artista presenta en 1985, en la Galería de Arte Nacional, la exposición Víctor Valera y el cometa Halley, en la que propone una visión desenfadada de los adelantos tecnológicos que circundan tanto la vida rutinaria como las estrellas y el espacio exterior. A pesar de las variaciones técnicas y formales que se introducen en su obra, una propiedad se mantiene inalterable, la voluntad de construcción con sentido de una manera sintáctica, morfológica, que se ha constituido en un código personal, en un lenguaje artístico inconfundible. La Fundación Galería de Arte Nacional (FGAN) posee de Valera, varias obras.
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1961: Pinturas y Esculturas, Colegio de Ingenieros, Caracas. Colegio de Ingenieros, Maracaibo, Edo. Zulia.
1963: Sala de Exposiciones, Fundación Eugenio Mendoza, Caracas.
1965: Retrospectiva de la Obra Pictórica, Ateneo de Caracas.
1969: Esculturas en Estudio Actual, Estudio Actual, Caracas. Casa de la Cultura, Maracay, Edo. Aragua.
1973: Relieves y Esculturas, Estudio Actual, Caracas. Relieves y Esculturas, Estudio Dos, Valencia, Edo. Carabobo. Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia.
1974: Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá. Relieves: 74, Estudio Actual, Caracas.
1980: Papeles Perforados, Estudio Actual, Caracas.
1981: Esculturas, Estudio Actual, Caracas.
1982: 3 Esculturas: Homenaje a los Cantantes Populares, Galería de Arte Nacional, Caracas. Galería Estudio Actual, Caracas. Centroarte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo.
1984: Esculturas 1954-1984, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
1985: Víctor Valera y el Cometa Halley, Galería de Arte Nacional, Caracas. Retrospectiva de Víctor Valera, Centro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia. Voces para Leer, Sala IPOSTEL, extensión oeste, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Voces para Leer, Colegio de Abogados, Maracaibo, Edo. Zulia. Voces para Leer, Bogotá.
1986: Ateneo de Cumaná, Edo. Sucre.
1987: Columnas Excéntricas para Demarcar un Espacio Americano, Galería Durban, Caracas.
1989: En el Valle de los Quetzales, Galería Sin Límite, San Cristóbal, Edo. Táchira.
1990: Voces para Leer, Museo Municipal de Artes Gráficas, Maracaibo, Edo. Zulia.
1991: Voces para Leer, Museo de Arte Moderno de Mérida, Edo. Mérida.
1992: Formas para Tocar, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber.
1993: Textos del Chilam Balam, Galería Durban, Caracas.
1994: Papeles Perforados y Fotomontajes, Sala Anexa, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta. Papeles Perforados y Fotomontajes, Museo de Arte Contemporáneo Marío Abreu, Maracay, Edo. Aragua.
1996: En el Valle de los Quetzales. Galería Durban, Caracas.
1997: Esqueje al Cuadrado: Víctor Valera, pequeño y mediano formato, Sala Alternativa, Caracas.
1998: Obras de 1993-1996, Galería PDV, Caracas.
PREMIOS
1955: Tercer Premio (Pintura), II Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1956: Primer Premio (Pintura), III Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1957: Primer Premio, I Salón de Arte Abstracto, Caracas.
1958: Premio Nacional de Escultura, XIX Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes, Caracas.
1962: Primer Premio de Escultura, II Salón Anual de la Casa de la Cultura del Estado Aragua, Maracay, Edo. Aragua. Premio Universidad de Carabobo, XX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo. Premio Julio Morales Lara, XX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
1964: Primer Premio de Escultura, I Salón de Jóvenes Artistas, Museo de Bellas Artes, Caracas. Premio Ejecutivo del Estado Zulia (Escultura), X Salón D'Empaire de Pintura, Maracaibo, Edo. Zulia.
1965: Segundo Premio de Escultura, Concurso de Pintura y Escultura Pegaso, Mobil de Venezuela, Caracas.
1967: Premio Único, IV Bienal Armando Reverón, Museo de Bellas Artes, Caracas.
1969: Premio Julio Morales Lara, XXVII Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo. Primer Premio de Escultura, XII Salón D'Empaire, Maracaibo, Edo. Zulia.
1972: Premio Arturo Michelena, XXX Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
1983: Primer Premio, I Bienal de Escultura Francisco Narváez, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.
1984: Premio Aica al Mejor Artista del Año, Caracas.
1986: Premio Juan Lovera, XLIV Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
COLECCIONES
Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo.
Banco Central de Colombia, Bogotá.
Consejo Municipal del Distrito Maracaibo, Maracaibo, Edo. Zulia.
Fundación Galería de Arte Nacional, Caracas, Distrito Federal.
Hotel Caracas Hilton, Caracas, Distrito Federal.
Hotel Macuto Sheraton, Macuto, Estado Vargas.
Instituto Nacional de la Vivienda, INAVI, Maracaibo, Edo. Zulia.
Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas, IVIC, Altos de Pipe, Edo. Miranda.
Maraven, Caracas, Distrito Federal.
Museo Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo.
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Distrito Federal.
Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Edo. Nueva Esparta.
Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Edo. Bolívar.
Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
Museo de Arte Moderno de Mérida, Edo. Mérida.
Museo de Bellas Artes, Caracas, Distrito Federal.
Nunciatura Apostólica de Caracas, Caracas, Distrito Federal.
Parque de la Nacionalidad, Maracaibo, Edo. Zulia.
Parque Rómulo Betancourt, Caracas, Distrito Federal.
Paseo Las Ciencias, Maracaibo, Edo. Zulia.
Teatro de Bellas Artes, Maracaibo, Edo. Zulia.
Unión Panamericana, Washington D.C., USA.
Universidad Central de Venezuela, Caracas, Distrito Federal.
Universidad del Zulia, Maracaibo, Edo. Zulia
jueves, 8 de enero de 2009
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